什么使梵高美术馆成为全球的票房冠军？

达芬奇、毕加索和梵高，

同为艺术史上的三张名片。

然而，为什么独有梵高享有更高的人气？

为什么梵高美术馆能成为

全球个人美术馆界的票房冠军？

同样作为艺术史上的三张名片，达芬奇、毕加索、梵高，艺术成就上都是各有千秋,但独有梵高享有着更高的人气。欧洲把2015年设立成了官方的梵高文化年；而阿姆斯特丹的梵高博美术馆，更是以每年近200万参观人次成为全球个人美术馆界的票房冠军；在中国，梵高的大展观者如潮，中国新贵的收藏让梵高再次创了天价。

梵高为什么这么红呢？

像中国的“红学”一样，梵高的品牌和文化也都一直在一次次更新和梳理着。而阿姆斯特丹的梵高美术馆，作为世界上最权威的梵高文化研究基地，在梵高品牌文化的打造上起到了举足轻重的作用。今天，我们就看看梵高美术馆到底有什么高招。

唤起梵高式的感情
如果我们对比一下达芬奇和毕加索，梵高式的感情特质就显得更加独特了。梵高美术馆正是知道如何唤起人们对这位艺术家独有感情，才使得梵高能如此的广受欢迎。

达芬奇，他百科全书式的头脑让人敬而远之，他受宠于教皇和贵族，代表作是《圣母像》、《最后的晚餐》和《蒙娜丽莎》，都是高大上的古典主义作品。毕加索，少年得志，他自身的威望和地位，早已达到社会的权贵阶层，他的作品是超出普通观众审美的抽象画，他在巴黎市中心的豪宅也让平民仰而观止。

而梵高，在梵高短暂的传教士生涯中，他为矿工、底层的人、被上帝遗忘的人传福音。在他同样短暂的艺术生涯中，他和穷人、精神病人、底层妓女、落魄艺术家们生活在一起。他描绘的对象中，最有钱的可能就是一个普通的《邮差》和小镇医生《加歇医生》。他一生饱受贫困和疾病折磨，在他死后半年，弟弟提奥也相继离世。

所以今天的梵高才会那么受到人们的喜爱，如果说达芬奇给人的印象是高山仰止般的博学多才；毕加索触动人们的是传统反叛者的激素；那么，当我们谈起梵高，唤起人们的感情是：底层的关怀，兄弟情深！

这正是无数人为之感动的源头，也是梵高美术馆品牌经营的核心特质。

为了让这些感人的故事更贴近大众，美术馆用一层楼来展示梵高和弟弟的书信，原件是荷兰语，大多数国际观众读不懂，没关系，翻译了给你，摊开在眼前，这比什么都更真实，更有普世价值，更有说服力，也更感人。

这些书信证明了梵高不仅是一流的画家，还是一流的作家。噢，真有爱！还有在线阅读的，这是链接：http://vangoghletters.org/vg/

梵高美术馆还梳理出另外一条线索，那就是梵高和农村的关系，这是另一个能唤起人们对弱势群体关注的感情的话题。农村，即是梵高职业生涯的开始，又是梵高一生感情所维系的地方。在美术馆的学术性解读中，梵高对农村的眷恋和19世纪城市化的运动息息相关，面对城市和工业化对农村的蚕食和侵略性的掠夺，梵高心向弱势，他给弟弟的信中说：“在农村，我没有任何欲望，可以深沉地活着－－－农民生活是一个循环，从生到死，和土地在一起－－－从很多方面，农村生活都比城市生活更为真切”。此后，梵高开始在巴黎生活两年，尽管绘画技法上突飞猛进，可是梵高并不开心，城市带给了他巨大的压力和沮丧情绪，他的精神疾病也正是从那是开始的。

美术馆旁引博证，将梵高对农民的感情和创造的主题联系起来。于是，梵高的人生，就不再是昨天的故事，而是永恒的艺术关怀，并且连结当下现实。我们很容易获得这样的结论，在权力和贫富分化日益扩大的今天，梵高的人文关怀更是难能可贵，他永远和弱者、被社会遗忘的人在一起。梵高的艺术之所以能够给人慰藉，正式因为它们唤起人们深沉的感情，诸如对“怀才不遇的天才”的同情、“兄弟情”、“苦难成就大师”、“热爱生活”、“和穷人在一起”、“为艺术殉道”等等等等。

用个人的故事讲述时代故事

相对毕加索，梵高的作品并不多，尽管他是个勤快人，可是他仅活到了37岁（仅有7年的艺术生涯），和毕加索92岁高龄不能同日而语，梵高美术馆也只有200多件油画的馆藏。

梵高美术馆将这些作品做了简单明了的梳理，将梵高的职业生涯分作4个时期，在比利时和海牙的短暂的学徒期、荷兰纽南时期、巴黎时期、阿尔勒时期。对梵高绘画的转型做了清晰翔实的交代。

比如：梵高在荷兰的3年，是最初的职业生涯。在这期间，他的才华很快就比肩尼德兰的绘画大师们，他画出来了这一时期的代表作：《吃土豆的人》，这也让他获得了去巴黎的机会。而后在巴黎，他的作品发生了3个变化：1，他从莫奈的印象派中学习，色彩变的明亮了起来；2，开始受到日本绘画的影响，作品呈现出平面的特征；3，开始注重用线条来塑造形体。

梵高美术馆还馆藏了和梵高相关的4个时期的同代人的作品，比如对梵高影响很大的法国画家莫奈的同时期作品，还有梵高的朋友高更、波纳尔、劳特累特等画家的作品，他的作品和梵高的并列在一起，这让观众可以清楚地看到梵高艺术转变的来龙去脉，还有梵高的生活和时代的关系。

所以，梵高美术馆就是一部生动的断代美术史。通过梵高的历程，让荷兰和法国的历史文化都栩栩如生地呈现在我们的眼前。更深一点思考，荷兰第二次黄金时代的光辉历史，也由梵高的个人经历讲述了出来。

设计和交流
和乔布斯的成功之道一样，梵高美术馆对设计的要求非常高。

梵高基金会是1962年建立的。当梵高美术馆的建筑竞标方案塞满了董事会的信箱时，董事会争执不下，难以决断。这时候，荷兰的设计界领袖里特维尔德去世的消息出现在报纸上。董事们忽然想起来，老将里特维尔德也投标了！

于是他们把里特维尔德的方案拿出来一看，大喜过望——就这个了！

于是他们聘请了年轻的建筑师执行了里特维尔德的方案，即是现在的美术馆的主体建筑。典型的里特维尔德风格，用方块建筑形体营造出沉静的美感。后来，对梵高一直青睐有加的日本人捐了一个二期工程——美术馆侧翼，由建筑名将黑川纪章设计，2015年竣工的时候，完整的梵高美术馆举办了盛大的庆典，12万株向日葵围绕着美术馆，在阳光下怒放。

后来的标志设计也随之更新。

新的标志分成两部分，上面是黑色的方块——象征里特维尔德的建筑，下面是彩色的图形——象征梵高的绘画。这个灵感来自梵高的“漩涡笔触”。那是梵高来到了巴黎，在莫奈的画前激动的浑身颤抖，此后，他的画风大变，创造出了带有强烈个人风格的“漩涡笔触”，代表作《星空》就是其中的代表。这个创举是梵高最具创造性的绘画语言，传达着他狂热的个人情绪。可以说，这是梵高的签名。

阿姆斯特丹的Koeweiden Postma设计工作室用“漩涡笔触”加方块的设计方法，即传达出了梵高的个人特征，又和博物馆的建筑有所关联。上面的黑色方块，加上白色的字体——宁静如夜；下面是颜色多变的“漩涡笔触”——热情如火。

这个标志很完美地结合了两种风格。将梵高的绘画和美术馆的品牌完美地结合在了一起。为了让标志适应多种场合，标志有数十种颜色可以选择，所以这个标志不是单独的图像，而是建立一种设计秩序，可以根据不同的情况，灵活地和用户交流。

与此同时，为了和观众更好地交流，博物馆还开发了种种互动的活动，比如“星期五之夜”、“感受梵高”、“梵高在星期五”等。

其中“感受梵高”是为盲人设计的程序。博物馆用3d打印技术重新制作了梵高的油画，把手放上去，聆听解说，触摸梵高的笔触、线条的流动，依靠现代科技，视觉的艺术转换成了触觉和听觉，更重要的是，这种来自指间的触摸，更接近梵高的心灵。

建立一个梵高文化群岛

有了艺术的硬货，有了人文关怀，还有了高端设计和用户交流。梵高美术馆仍不曾固步自封。而是一再开发梵高的品牌价值，总监Axel Rüger说：“人们对梵高的审美远远没有疲劳，还有很多的可能性”。

于是，他们还不断地挖掘着梵高的价值，比如：他们组建了一个研究团队，由8位研究者、18位翻译者和两位作者组成，他们创建了一个庞大的梵高和他的时代的数据库（制作了10万电子卡片，注释28000条，仅注释的打印文稿就达到5000页！），用了10年时间，完成了1000多页的新版巨著《梵高传》。

种种研究，将梵高塑造成了一种百科全书式的人，并且和时代的种种兴趣点产生着关系，比如在美术馆最近两年的展览中，就可以窥见端详：《想象和现实：自然主义的绘画和电影》、《自然的梦：从梵高到康定斯基》、《东方西方：日本和日本风》、《卧室的秘密》、《梵高和蒙克》、《水性杨花：法国艺术中的妓女》、《疯狂的边缘：梵高和他的病》－－－于是，梵高已经成为了一个桥梁，连结着荷兰与法国、日本与西方、健康与疾病、自然和人工造物、情色和艺术、农村和城市－－－

新版的《梵高传》的中文翻译者沈语冰先生说：“（今天）整个梵高研究的地平线，已经被改写了”。我相信，这归功于梵高美术馆，一个和社会息息相关、围绕梵高的文化群岛已经建立了起来。而且，在未来，他们还会给我们带来更多的文化资源！

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